Sunny, análisis armónico y tablatura/cifrado

Sunny, análisis en Guitarbend

Volvemos a vernos tras mucho tiempo de parón en la web, aunque he estado escribiendo de forma asidua en GuitarBend Me gustaría compartir con todos y todas el mejor análisis armónico que he hecho nunca para una web. Se trata de Sunny, el clásico de Bobby Hebb versionado por Bonney M., Pat Martino, Greg Howe, John Scotfield…

Espero que os guste el análisis, aviso, hay nociones avanzadas de armonía, pero intento explicarlas al dedillo y abordar diferentes enfoques, ya que se puede llegar a la misma meta transitando por diferentes caminos. La idea es que podáis improvisar con las diferentes escalas que propongo al analizar la armonía de este gran clásico, del que también he hecho dos versiones en partitura con el cifrado o tablatura. Espero que disfrutéis y tengáis un “sunny day”.

Sunny, análisis armónico y tablatura/cifrado

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Nuevo portal de guitarra: Guitar Bend

GuitarBend es el nuevo portal de guitarra dirigido a guitarristas, bajistas y otros músicos que buscar contenido de calidad y debates en un marco de respeto mutuo.

Podéis entrar a través de la dirección URL www.guitarbend.com sin necesidad de registro, si bien en el futuro se habilitarán concursos y sorteos de diverso tipo para todos aquellos que estén registrados en el portal.

A partir de ahora publicaré diversos artículos como venía haciendo en otros portales que serán también anunciados en esta página. Muchos de esos artículos pertenecen al área de didáctica musical, otros serán biografías o reviews de guitarras, backing tracks, entrevistas, amplificadores, pedales de efectos…

Contamos también con la inestimable colaboración de Juanjo Pelegrín, guitarrista conocido en España por sus artículos y su relación comercial con marcas como Ibanez, Tokai….

Os animamos a participar en este nuevo portal que incluye las secciones de foro, artículos, academia online (que abrirá en breve) y blogs personales de diverso contenido.

Para registraros podéis utilizar vuestro e-mail o bien conectados directamente desde vuestra cuenta en Facebook, momento a partir del cual seréis miembros de pleno derecho.

 

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BSO Bandas sonoras y musica clásica, origen y curiosidades

Las BSO, como se conoce a cualquier tipo de música que sirva contextualmente al desarrollo de una película o creación (series, videojuegos) no siempre bebe de la música clásica; una BS puede ser un disco de rock, pop, música ambiental, jazz… Pero el cine de Hollywood y parte del cine europeo siempre acudieron a grandes compositores, generalmente con una fuente de estudios basada en la orquestación y grandísimos conocimientos de armonía, en gran medida (en algunos casos, completamente), basados en el estudio del clásico, y es ese el ejemplo que vamos a tratar en este caso.

Durante el siglo XIX y comienzos del siglo XX, asistimos a la renovación de la música clásica, al alcanzar esta su vertiente más experimental, jugando con tensiones nuevas o previamente “prohibidas” o formas de música atonal u oriental.

Recordemos que el término Música clásica está aceptado en el diccionario y a día de hoy es el correcto para identificar todos los estilos de música clásica, no solo el período del clasicismo. Al contrario que antes, términos como música culta o música docta, carecen de sentido, al ser también música propia de estudio el jazz, el blues, el rock, el folk o el metal.

Si bien la eclosión de las bandas sonoras llegaría en la segunda mitad del siglo XX, con grandes figuras como Goldsmith, Morricone, el sempiterno John Williams, James Horner, Danny Elfman, Nobuo Uematsu, Hans Zimmer, Yann Tiersen destacando a lo largo del siglo pasado y principios de este, sus orígenes tienen lugar mucho antes, en la música clásica “contemporánea”, tanto la atonal, como la experimental, o la que jugaba con tensiones orientales desconocidas o incluso prohibidas hasta la época (juego de movimientos y cadencias tritónicas, por ejemplo).

Como dato curioso, para muchos la primera BSO de la historia es la de la película El cantante de jazz, pero lo cierto es que una BS normalmente narra musicalmente la acción o trama de la película, aunque esta matización no tiene por qué ser obligatoria. En caso contrario, suele considerarse más un Musical que una BSO, algo similar a lo ocurrido en comedias clásicas o películas en las que los protagonistas se arrancan a cantar un tema que no pretende crecer con el ritmo del film o acompañar su sentido dramático. En un musical la película depende de la música, y no al revés, aunque encontramos formas clásicas incluso en películas musicales afamadas, como Love Story.

De hecho, en las primeras BSO como tales, con un corte más clásico, pero con variaciones que provenían del clásico contemporáneo, y que se atreven a ir más allá, incorporando otros estilos, encontramos a figuras como Steiner, uno de los grandes pioneros (King Kong), que curiosamente era alumno de Mahler, uno de los compositores de clásica “moderna” más importantes de la historia de la música.

En autores como Elfman o Zimmer, o el propio Williams, encontramos aquí y allá un detalle arquetípico y clásico, cadencias y orquestaciones al uso, mezcladas con pasajes mucho más atrevidos y delirantes, que en gran medida provienen de autores como Mahler, Debussy, o los “zares” rusos de la música moderna, los geniales Prokofiev (basta escuchar el tramo de Montescos y capuletos de su obra Romeo y Julieta) y Mússogorsky, con su genial obra Cuadros de una exposición.

Estos autores incorporan en gran medida la armonía propia de la música tradicional rusa, que proviene de oriente y guarda formas diferentes a las armonías más tradicionales, en el contexto de una orquestación clásica, y con constantes guiños a las tensiones y la música modal, pero sin llegar a resultar “inaudible” o excesivamente avant-garde.

Por ello, si realizamos un estudio de los autores clásicos más influyentes, figuras como Mahler, Debussy, Prokofiev o Músogorsky, de diferentes escuelas, pero con un gusto por la experimentación armónica que les aleja de los precedentes más clásicos, veremos su firma en muchas grandes obras maestras, como Tiburón o Star Wars (Williams), cualquier BSO de Danny Elfman (MIB, Eduardo manostijeras…)…

Por supuesto, esto no tiene por qué ser referido a todo el ámbito de la BS, pues como explico previamente, las mismas pueden contener música de muy diversos estilos, aunque a día de hoy, obras como Harry Potter (Williams), Los piratas del caribe, Inception o la trilogía de Batman más moderna (estas tres últimas de Zimmer) destacan por encima de otras con formato canción, quizás porque al ser música instrumental, realizada en el contexto de una orquestación, permite alcanzar diferentes cotas de intensidad y abandonar las formas clásicas más antiguas para retornar de nuevo a la música contemporánea.

Con el paso de los años vemos como en las BSO afloran tres tendencias diferentes:

Música clásica: tiene por objetivo contextualizar musicalmente el desarrollo de la película, y por ello se adecúa en tiempos y formas al guión. Hoy en día mezcla elementos clásicos con modernos, algo que se ve en el uso de instrumentos eléctricos combinados con secciones de cuerda, viento, percusión o corales.

Formato canción: La contextualización del desarrollo es mucho menor, pero si que puede incidir en un momento dado. Quién no recuerda el famoso Unchained Melody en Ghost mientras la pareja recrea una escena romántica y erótica dando forma a una vasija, aunque el tema no fuera hecho para la película, algo que si ocurre en El guardaespaldas.

Música instrumental general: Al igual que la clásica, contextualiza. Podemos encontrarnos una BSO de jazz (aunque pocas veces es original, suelen ser piezas compuestas previamente), BSO de new age, como las realizadas por el genial Vangelis, otras de música electrónica, ambient…

Como vemos, la música clásica sigue vigente hoy en día en un formato comercial en el que además ha evolucionado, tomando elementos de la música contemporánea y las músicas del mundo, y reinventándose a si misma.

Muchas personas que creen vivir alejadas de este estilo, o muchas otras que creen saberlo todo sobre el mismo, viven rodeadas de nuevas formas que algún día pasarán a formar parte de escuelas que estudien un estílo de música que, tal vez, debiera encontrar un nombre más adecuado.

 

 

 

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Como tocar y covers… Nuages, clásico de jazz

Hoy os traigo un clásico, un estándar de jazz, Nuages, compuesto por el genial Django Reinhardt, versionado por los mejores, con una video lección en inglés de Jake Reichbart, en la que podéis activar subtítulos en inglés. Su lenguaje es bastante sencillo, así que se entiende muy bien y está bien realizada.

Os dejo también videos en ejemplo del tema en diversas versiones.

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Educación auditiva; importancia y trabajo

La educación auditiva es el gran desconocido del trabajo del músico, un trabajo que resulta importantísimo, tanto para el músico profesional, como para el músico amateur.

¿Qué es realmente la educación auditiva y por qué hay que trabajarla?

La educación auditiva no es más que el desarrollo del oído musical, que nos permite ser capaces de relacionar diferentes sonidos, es decir intervalos. Gracias a esto, a la larga distinguiremos mejor escalas, acordes, o progresiones, dado que todas ellas están formadas por intervalos.

Esto nos serviría en varios aspectos de la música; distinguir auditivamente una escala y un acorde de otro, ser capaces de sacar un tema de oído con relativa facilidad, improvisar sabiendo cuál es la nota que buscamos y que está en nuestra cabeza, sacar un solo o un punteo, componer a mayor velocidad, saber instintivamente qué adornos o tensiones quedan mejor sobre determinados acordes… y no menos importante, comenzar a utilizar como músicos intervalos que naturalmente no se nos ocurrirían, lo que deriva en una mayor variedad en el fraseo o en nuestras secciones rítmicas, en una mayor capacidad de improvisación y composición, y en un sonido menos escalar y monótono.

La diferencia entre un músico que trabaja educación auditiva y uno que no lo hace se manifiesta sobre todo a la larga, ya que la educación auditiva ocupa poco tiempo en el apartado de estudio y, sin embargo, nos permite ahorrar muchísimo tiempo cuando pasan meses.

Lo primero que debemos comprender es que, por las propiedades del oído humano, la educación auditiva no puede trabajarse durante períodos prolongados de tiempo. Se produce un agotamiento de la percepción auditiva, por lo que dedicar espacios temporales de más de media hora a ésta tarea resultaría contraproducente. De ahí que lo lógico sea trabajar diariamente, o tres o cuatro días a la semana durante aproximadamente 15 o 20 minutos. Si disponemos de más tiempo, debemos espaciar el estudio que realizamos.

Antes de comenzar a estudiar, debemos diseñar un programa. Existen programas en Internet muy útiles para este fin. Lo primero que debemos tener en cuenta es que lo más importante es la diferenciación entre intervalos, para lo cual conviene relacionar melodías conocidas con cada uno de los diferentes tipos de intervalos hasta alcanzar la octava. Por ejemplo, la quinta justa (5) suena como el comienzo de la guerra de las galaxias. Existen intervalos ascendentes, descendentes y armónicos, pero lo lógico, para identificar cada intervalo como una unidad, aparezca en la forma que aparezca, es que únicamente relacionemos una melodía por cada intervalo. En caso contrario, podríamos llegar a considerar las distintas formas de un mismo intervalo, como intervalos diferentes.

Antes de meternos con el estudio auditivo de acordes, escalas, o dictados melódicos o de progresiones, tenemos que tener un porcentaje de acierto en intervalos en su forma simple ( hasta alcanzar la octava desde la tónica) que ronde el 100%. Dado que todo lo demás depende de nuestra capacidad de distinguir intervalos, es ilógico comenzar la casa por el tejado. Después, comenzaremos el estudio de acordes y dictados melódicos, trataremos de cantar pequeñas porciones solistas, y finalmente trataremos las progresiones de acordes.

Por ello, os aconsejo a todos, músicos profesionales o amateurs e instrumentistas varios, que comencéis una rutina de educación auditiva que, a lo largo de los meses,cambiará por completo vuestra vida musical.

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